The Souffleur utiliza el conflicto entre un hotel histórico y la modernización para reflexionar sobre la memoria, la pérdida y el paso del tiempo. Gastón Solnicki construye una experiencia contemplativa de gran belleza visual, sostenida por la sobresaliente interpretación de Willem Dafoe.
The Souffleur (2025)
Puntuación:★★ ½
Dirección: Gastón Solnicki
Reparto: Willem Dafoe, Stéphanie Argerich, Lilly Lindner y Claus Philipp
***screening de prensa***
En The Souffleur, Gastón Solnicki vuelve a demostrar que su cine está menos interesado en narrar una historia tradicional que en capturar estados de ánimo, espacios y memorias. Escrita junto a Julia Niemann, la película utiliza la aparente sencillez del conflicto entre un veterano director de hotel y un desarrollador inmobiliario como punto de partida para reflexionar sobre la desaparición de los lugares que conservan la identidad de una ciudad. Lo que podría convertirse en un drama sobre la gentrificación termina transformándose en una elegía visual sobre el paso del tiempo y la fragilidad de aquello que creemos permanente.
Lucius Glantz, interpretado por un extraordinario Willem Dafoe, representa a una generación que observa cómo el progreso económico amenaza con borrar no solo edificios, sino también rituales, recuerdos y formas de entender el mundo. La posible demolición del hotel funciona como un símbolo de una Viena que lentamente abandona su herencia cultural para adaptarse a una lógica corporativa donde el valor histórico pierde importancia frente a la rentabilidad. Incluso la famosa receta del soufflé, eje aparentemente trivial del conflicto, adquiere un peso metafórico: aquello que hace único al lugar también corre el riesgo de desaparecer.
Desde su planteamiento visual, Solnicki construye una película profundamente contemplativa. La fotografía de Rui Poças convierte Viena en un escenario suspendido entre distintas épocas, donde conviven parques elegantes, arquitectura clásica y elementos mecánicos de inspiración steampunk que rompen cualquier sensación de realismo absoluto. La ciudad deja de ser únicamente un espacio físico para convertirse en un personaje más, marcado por las cicatrices del pasado y las incertidumbres del presente. Cada encuadre parece diseñado para privilegiar la observación antes que el desarrollo dramático, invitando al espectador a recorrer estos espacios con paciencia y curiosidad.
Esta decisión estética es, al mismo tiempo, la mayor virtud y la principal limitación de la película. Solnicki apuesta por un lenguaje cinematográfico donde las atmósferas reemplazan la progresión narrativa, haciendo que la experiencia dependa más de las sensaciones que de los acontecimientos. El resultado posee momentos de enorme belleza visual, pero también genera una constante sensación de dispersión. Los cambios de tono —que oscilan entre el drama melancólico, el humor seco y un absurdo casi surrealista— dificultan encontrar una unidad emocional. Escenas como la aparición inesperada de jirafas o los interminables partidos de tenis aportan una dimensión onírica que resulta intrigante, aunque también contribuyen a que el relato pierda cohesión.
Gran parte del peso emocional del filme recae sobre Willem Dafoe, cuya interpretación encuentra un equilibrio admirable entre la contención y la expresividad. El actor evita convertir a Lucius en un símbolo abstracto y le otorga una humanidad que sostiene la película incluso cuando la narrativa parece desviarse hacia caminos más experimentales. Su presencia transmite la obstinación silenciosa de quien comprende que está perdiendo una batalla imposible de ganar, pero decide resistir por dignidad más que por esperanza.
En contraste, varios personajes secundarios aparecen apenas esbozados. La hija de Lucius y el nuevo propietario argentino interpretado por el propio Solnicki funcionan más como representaciones de distintas posturas frente al cambio que como personajes plenamente desarrollados. Esta elección parece deliberada, ya que la película privilegia la dimensión simbólica sobre la construcción psicológica, aunque también reduce la intensidad dramática de algunos de sus conflictos.
Con apenas 78 minutos de duración, The Souffleur rechaza deliberadamente la estructura clásica del cine narrativo. No existe una progresión orientada hacia un desenlace contundente, sino una sucesión de momentos que buscan construir una experiencia contemplativa. La película encuentra mayor interés en observar cómo los espacios conservan las huellas del tiempo que en explicar las motivaciones de sus personajes o resolver sus enfrentamientos.
En última instancia, Solnicki propone una reflexión sobre la obsolescencia como condición inevitable de la existencia. La resistencia de Lucius frente al avance del desarrollo inmobiliario no pretende cambiar el curso de los acontecimientos, sino preservar, aunque sea por un instante más, un modo de entender el mundo que parece condenado a desaparecer. En ese sentido, la película dialoga con muchas de las preocupaciones del cine contemporáneo sobre la memoria, la identidad y el impacto de la modernización sobre los espacios culturales.
The Souffleur es una obra que fascina por la delicadeza de su puesta en escena y la riqueza de sus imágenes, confirmando el talento de Gastón Solnicki para construir un cine profundamente sensorial. Sin embargo, esa misma apuesta estética sacrifica parte de la cohesión narrativa y puede dificultar la conexión emocional con el espectador. Es una película que privilegia la contemplación sobre la narración, la metáfora sobre la explicación y la atmósfera sobre el conflicto. Su belleza reside precisamente en esa fragilidad, como el soufflé que le da nombre: una creación delicada que impresiona mientras permanece en equilibrio, aunque nunca alcance una forma completamente sólida.